藝術家胡鈞荃的創作實踐專注探討數位與現實的邊界，更試圖將不可言喻的個人感知轉化為破碎卻充滿詩意的視覺語言。她利用數位工具中的錯訊（glitch），打破了技術的完美敘事，讓觀者直面自身感知與數位世界之間目前仍未彌合的落差，並且詰問沉浸的本質。這次訪談，我們深入了解她如何運用 VR 和3D掃描技術，描繪出一個既真實又疏離的內在世界。
胡鈞荃，〈未明〉，2020，藝術家版權所有。
SCREEN（SCR）：你的作品似乎很早就開始結合數位元素，你是一開始就使用影像創作嗎？
胡鈞荃（以下簡稱胡）：其實沒有，若真要回溯，從小我總是主動持攝影機的那個人，而第一件有數位元素的創作，其實是一張繪畫。那是我在復興美工時期所創作的一件五十號的大型油畫，當時我在網路上找了超音波照片和嬰兒的照片。畫面上，我寫實地畫了一個被雙手抱著的嬰兒，而其他區域則呈現了超音波的原始紋理和數據。超音波上的數字和英文字等資料，我是先印出來，再用卡典鏤空的方式畫上去。我認為那是我第一件有結合所謂影像與數位資料的作品。這件作品我一直很珍惜，現在還放在家裡客廳。
胡鈞荃，〈異域〉，2017，藝術家版權所有。
「破碎感知」的實踐
SCR：你很快就使用數位影像技術來創作，作品〈異域〉（2017）的創作理念是什麼？
胡：在進入新媒研究所前，也有嘗試過動態影像的創作，回顧這件作品時才發現，它就像「低配版VR」，把螢幕嵌在一個頭罩箱子裡，觀眾需要鑽進去才能觀看。而真正開始做VR作品〈異域〉時，我有一個核心想法，我不希望只是使用科技產品原本預期的功能。大多數對於 VR 的主流想像，往往強調「身臨其境」，彷彿可以透過科技進入一個被優化過的完美世界，但我想探究的是科技加速後形成的「新現實」與當代處境。
記得疫情期間，大家都被隔離在某些範圍裡，那時我心想乾脆來挑戰連續一百天不出門。後來已經不知道過了第幾天，有一次走到陽台伸展，突然發現眼前的景物和陽台上的植物，局部開始微微變形，甚至有影像在流動。那感覺就像現實有個裂縫，我很著迷那個瞬間，而這也成了〈未名〉（2020）的靈感來源。
胡鈞荃，〈彼．此〉，2018，藝術家版權所有。
SCR：所以這就是為什麼你的影像看起來如此破碎？
胡：我喜歡嘗試各種創作方式，去呈現那些我所感知，卻難以用言語說清楚的世界。大約在2015年，3D掃描成為較易取得，並能隨手使用的科技產品，所以我使用相關軟體，刻意讓掃描保持不精準。與其把現實一比一移植到作品裡，我更在意的是，如何利用這種刻意的技術限制和不完整，讓空間呈現出模糊、破碎又彼此融合的狀態，以貼近我當時的感知經驗。對我來說，感知往往是由許多片刻與多向度疊加而成，因此在作品裡，我不太強調線性敘事，像是〈未名〉，觀眾可以自由地在不同的時間點，遇見影像轉變的瞬間。你們選映的作品〈漩 濾〉（2016）也是，這件作品想要表達的，是往往被認為是壞訊的迴路聲音，有沒有成為主體的可能？因此作品呈現上也是非線性敘事。而在作品聲響的底層，其實潛藏著我低聲呢喃，引用西薇亞・普拉絲的詩集《精靈》的短詩。那種鬆散、以碎片拼接出的內在敘事結構，如同我感知的世界，是特別吸引我的質地。
胡鈞荃，〈在．時間之外〉，作品紀錄，2020 © 藝術家，圖片由藝術家及Chi-Wen Gallery提供
閉上眼睛才能「看見」的作品
SCR：剛剛提到的〈未名〉，其實是〈在．時間之外〉（2020）中的一部分。這件作品我沒有親自看過，你可以聊聊這件作品嗎？
胡：這件作品展出期間正逢疫情，觀展人數受到控管，須實名制登記，一次也只能一人進入體驗，因此實際能體驗到的觀眾相對有限。〈在．時間之外〉是一件以眼球偵測技術為核心的作品，幾年前，這項技術在一般日常設備上還不算成熟，多半仍用於醫療與企業端。而當時只有眼動儀這類設備能在全黑空間中偵測到瞳孔，為了取得這項裝置，我問了好幾間公司，最後很幸運地有一間願意租借設備給我。這件作品的緣由，是我很想做一件「看不見」的作品，而閉上眼睛，也是最直接切斷科技資本取得視覺資訊的一種方式。我認為高科技的產品最終都會滲入日常，變成我們身處其中難以迴避的環境條件。因此，〈在．時間之外〉透過兩個在訊號上相連，在空間上卻彼此分隔的場域來呈現。走進第一個空間時，觀眾只會在黑暗中看到前方有一個小小的光源，在閉眼的瞬間，空間會亮起並觸發雨聲，而在睜開眼的那一刻，燈光又會瞬間暗下來。其中，睜眼的短暫片刻，偶爾會看見前方閃過人影，那其實是觀眾自己的鏡像，卻因為睜眼反而更看不見。同時，觀眾在第一個空間中閉眼，也會觸發隔壁空間〈未名〉的影像變化，從下著雨的純白畫面，轉為金屬材質並反射出流動影像的樣態。然而，身處影像空間的觀眾，並不會察覺究竟是什麼使畫面產生了改變。
對我來說，許多事物未必能用眼睛看清，更多的是需要透過感知去經驗。因此必須閉上眼睛才能真正進入影像作品，是一個有趣的悖論，也提醒「觀看」並不是生成影像的唯一路徑。當觀眾閉眼聽見雨聲時，腦海中會各自浮現不同的內在影像。同時，當觀眾站在鏡子前，看見自己既在場又像不在場的影像時，關於自我投射與缺席的問題，也自然被召喚出來。
理想與數位的「替身」
SCR：你的作品〈回流〉（2020）則探討了兒時記憶和空間，你是如何用技術來重構這種記憶空間的？
胡：〈回流〉的起源，是我童年時期對華新街的街區想像。這件作品並不是一次性完成的掃描，而是把每一個空間在不同的時間點，以攝影測量法拍攝記錄下來，再後製整合在一起。我經常藉由這條街去想像我媽媽小時候生活的環境，透過味道、語言以及既陌生又熟悉的視覺，慢慢拼湊出母親的兒時樣貌。另一方面，我們所說的身臨其境，其實也多半是由自己的視覺、記憶與想像共同建構而出，它終究是一個平滑的影像，而不是真正的立體空間，但我們卻能悠遊其中。
胡鈞荃，〈回流〉，2020，藝術家版權所有。
SCR：你的創作中似乎有一個更深層的主題，關於追尋理想？
胡：對，這跟我媽媽的家族經歷有關。身為緬甸華人的媽媽，她的家族一直在尋找理想的環境。她大約十六歲時跟著家人從緬甸來到台灣，回到華人社會，認為這裡是更好的環境，而有些家人覺得美國的條件更理想，所以移居美國。因此，〈彼・此〉（2018）這件作品，是反映親人散居台灣與美國，如何透過科技維繫情感的狀態。會以VR創作 ，也是因為我希望透過科技，嘗試將外婆想再訪的美國空間與她所在的現實空間合併。一開始的出發點，是想替她補上一個缺口，因年歲漸長，身體無法再搭長途飛機而留下的那份失落，讓她能以另一種方式抵達，但我也清楚，這樣的替代始終無法真正取代現實的經驗。
而〈回流〉是創作歷程中的一個轉折點。一方面延續了我過去的創作脈絡，另一方面也與自身所處時代與上一代的生命經驗銜接在一起。在這件作品裡，我想探討的是科技演進與生命情感交會的位置，以及「身在異地」與「歸屬感」的提問，如何在不同時代中反覆出現，放在歷史脈絡與未來想像來看，這些問題的樣貌或許不同，但指向的始終是相似的生命課題。
胡鈞荃，〈喚〉，2020，藝術家版權所有。
SCR：這種強化現實與數位之間的落差，是否也反映了你對科技的反思？
胡：是的。從〈異域〉開始，我就一直在思考，當科技發展到某個程度時，我們是否也選擇捨棄或無意間失去某些東西？例如，當我用數位方式就能達成某個目的時，是否就不再需要透過實體行動去實踐？這些提問，都是我試圖透過作品來呈現的當代狀態。而裝置作品〈喚〉（2020）則源於某次住宿在外，隱約的不安與日常中的弔詭感，當時夜晚的窗戶突然有敲擊與摩擦玻璃的聲響，經確認後發現是風吹動著樹枝，而當下感受到的，卻是隱性的反抗、提醒及傳遞某種訊息。這樣的經驗也成為了作品的起點，若人不再是科技的操控者，而是退居為接收的存在，讓科技逐漸成為環境本身，人又如何察覺自身的感知正被觸發、被干預，甚至被迫回應。 —[SCR]
